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若い人のための洋楽ロック&ポップス名盤案内

やがて聴かれなくなるかもしれない'60~'80の海外ロックやポップスの傑作(個人的な意見)を紹介します。

Vol.40 Stand ! SLY & THE FAMILY STONE 1969

60年代 アメリカ

ファンクであり、ロックでもある、

愉快なブラックミュージック。

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スタンド!/スライ&ザ・ファミリー・ストーン

 ソウル、ファンク、ロックが絶妙に交じり合ったスライ流ブラックミュージックが開花、名曲ぞろいでグループの出世作となった。200万枚ものセールスを記録し、全米13位。2年間もチャートインした。

 

 スライ&ザ・ファミリー・ストーン(以下、スライ)の面白さは、ブラックミュージックの中にあっても、真っ黒でないことだ。

 

 ファンクでありながら、ロックでもあったりする。他のファンク、たとえばジェイムズ・ブラウンと聴き比べてみるとブラックの濃度が違う。スライは白人のロックやポップスみたいな部分もあり、ブラック一辺倒ではなく、グラデーションがかかっている。

 

 このグループが黒人白人、男女、家族と他人の3つのレイヤーを持った混成であること。そして、さまざまな人種と異文化を飲み込んだベイエリア、サンフランシスコで生まれたということがそうさせたかもしれない。

 

 そんなバックグラウンドから生まれた、ユニークなスタイルが開花したのが本作『スタンド!』だ。はじめてのシングル全米1位「Everyday people」をはじめ「Stand!」「I want to take you higher」「Sing a simple song」といったソウル、ファンクの名曲が揃っている。

 

 ポップなメロディ、キレのよいリズム、いかしたホーン、男女リレーで歌うヴォーカル、ゴスペルを思わせるコーラスがみごとに溶け合った、愉快でカッコいいアンサンブルは、スライ流としか言えないスタイルだ。

 

 歌には、'69年という時代らしく、<立ち上がろう!>、<ニガーって呼ぶなホワイティ>、<黒人だからといってあきらめずに>…など強くポジティブなメッセージが盛り込まれている。社会を敵視しているわけでもなく、シニカルな部分はあるものの攻撃的でもない。

 

 パワフルなファンクもあるが、ソフトロックのような曲もある。このへんが黒人白人混成グループらしい。また、エレクトリック時代のマイルズ・ディビスを思わせる13分ものジャムナンバーもあって、スライの面白さがつまった作品に仕上がっている。

 

 前作のセールス不振をばん回するべく、音楽理論オーケストレーションの本を手に、レコーディングに取り組んだだけのことはあった。

 

 その後、スライはウッドストックへの出演、シングルヒット(全米1、2位)連発と快進撃をみせたが、ドラッグによるスライ・ストーンの不調やコンサートのキャンセル頻発などトラブルが続いた。

 

 それでも、'71年には大傑作アルバム『暴動』(全米1位)を発表。このあたりをピークに、スライ・ストーンの創造性は輝きを失い、アルバムセールスも下降気味となり失速していく。

 

 やがてグループも解散スライ・ストーンは真の復活を遂げていない。それでも、マイルズ・ディビスやプリンスなど、さまざまなアーティストに影響を与えたし、本作の歌詞は、寛容性や多様性を失いつつある、いまの世界にも響くかもしれない。

 

 いや、そんなことはどうでもいい。楽しくて面白い音楽なのだ。聴かないのはもったいない。

 

♪好きな曲

 

Stand!

2分16秒からのファンキーなコーダがあったからこそ名曲となったと言われる。

Stand!

Stand!

  • スライ&ザ・ファミリー・ストーン
  • R&B/ソウル
  • ¥200

 I want to take you higher

ファンクにしてロック。強烈なカッコよさ。デュラン・デュランのカバーもなかなか。

I Want to Take You Higher

I Want to Take You Higher

  • スライ&ザ・ファミリー・ストーン
  • R&B/ソウル
  • ¥200

 Everyday people

僕は普通の人間、人は千差万別、みんな共存しているという楽観的な歌詞が軽快な曲調とぴったり。

Everyday People

Everyday People

  • スライ&ザ・ファミリー・ストーン
  • R&B/ソウル
  • ¥200

 

Vol.39 TIN DRUM JAPAN 1981

80年代 イギリス

漂うオリエンタリズム、跋扈する

変態リズム、極北のエレクトロポップ。

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錻力(ブリキ)の太鼓/ジャパン

 バンドの創造性が臨界点に達した5作目。案の定、ラストアルバムとなった。チャートは全英12位とオリジナルアルバムの中では最もヒットした。

 

 ジャパンの音楽性が高く評価されるようになったのは、3作目の『クワイエット・ライフ』から。それまでは日本で熱狂的な人気はあったものの本国では無視され、まったく売れなかった。

 

 いま聴くと無視されるほどひどくはない。アルバムやシングルの何曲かは悪くはないし、ジョルジォ・モルダーがプロデュースした「Life in Tokyo」なんていいなと思ったこともあった。

 

 ところが『クワイエット・ライフ』から突然覚醒、イギリスでもチャートイン。サウンドもがらりと変わった。70年代のロキシー・ミュージックや、ベルリン時代のディヴィッド・ボウイを思わせる曲調に、シンセを前面に出したスタイルへと変化した。

 

 次作『孤独の影』では、ぐっと音楽に深みと幅が加わる。YMOとの交流も影響したのだろう、ジャパンは急速に力をつけていった。そして、本作で一気に極北までいってしまった。

 

 前作までの陰影のあるヨーロピアン路線から、アフリカなど非西洋世界のサウンドを大きく取り入れた、エレクトロ/テクノポップへと変わった。聴きにくいことはないが、好みのはっきり分かれる作風だと思う。

 

 西洋人の若者が見た文化大革命中の中国というのがコンセプト、確かにオリエンタルな旋律が顔を出しているが、アフリカ、中近東を思わせるリズムもあったりと中国イメージ一色というわけでもない。

 

 ジャパンの隠し味ともいうべきソウル、ファンクのアプローチは健在だが、ダンスミュージックにならないところがあまのじゃく体質の彼ららしい。音数は少ないが、凝ったサウンドで残響が少ないためか妙に圧迫感がある。

 

 バンドの顔であるデヴィッド・シルヴィアンの物憂げな低温ヴォーカルと、独特のリズムによるオリエンタリズムは鮮やかな極採色ではなく、渋い色彩である。

 

 ミック・カーンのフレットレスベースと、スティーブ・ジャンセンの手数の多い、複雑なドラミングから放たれるビートは、英国随一の変態リズムセクションと言われただけのことはある。特に地球外生命体のような動きをみせるベースのフレーズは、ステージ上のミックの動き同様とてもユニークだ。

 

 本作発表の翌年にバンドは解散。ようやくイギリスでも高く評価され、人気上昇の矢先だった。そんな追い風にも目をくれずさっさと店じまい。やはり筋金入りのあまのじゃく。

 

 ‘91年にジャパンは、<レインツリー・クロウ>という名で再結成しアルバムを出す。ジャパン時代とは全く違う、アンビエントなルーツミュージック風のサウンドに昔からのファンは困惑したと察するが、僕は気に入ってる。

 

 ニューウェーブ、エレクトロ/テクノポップのシーンにあって、多くの面白いバンドやアーティストが登場したが、創造性と存在感という点で、ジャパンはウルトラヴォックスと共に頭ひとつ抜けていたように思う。

 

♪好きな曲

 

The art of parties

パーカッシブなドラムが響くエレクトロファンク。先行シングルよりアルバムバージョンの方ができが良い。

The Art of Parties

The Art of Parties

  • ジャパン
  • ロック
  • ¥250

 

Still life in mobile homes

一番好きな曲。カッコいい変態リズムセクションがたっぷり味わえる。 

Still Life In Mobile Homes

Still Life In Mobile Homes

  • ジャパン
  • ロック
  • ¥250

 

Visions of china

ドラムはアフリカンで、フレーズはオリエンタルという風変わりなファンク。

Visions of China

Visions of China

  • ジャパン
  • ロック
  • ¥250

 

Vol.38 CLOSEUP Frankie Valli 1975

70年代 アメリカ

ゴージャスでスウィート、

粋な70’アメリカンポップス。

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瞳の面影/フランキー・ヴァリ

 フォー・シーズンズのリード・シンガー、フランキー・ヴァリの3作目のソロアルバムで、70年代アメリカンポップスの名盤といっていい。アルバムは全米51位だったが、全米1、6位のヒットシングルを収録、素敵なブルーアイドソウルが聴ける。

 

 ヴァリのソロといえば、全米2位の名曲『Can’t take my eyes off you(君の瞳に恋してる)』の入った第1作の方が知られているかもしれないが、本作の方がだんぜん好みである。

 

 ストリングスやホーン、女性コーラスがふんだんに使われたメロウでスウィートな口あたりが、いかにも70年代の都会的なアメリカンポップスという感じでたまらない。

 

 フォー・シーズンズはアメリカ60年代を席巻したグループで、1962~78年までにシングル全米1位が7曲、トップ3入りが12曲、トップ10入りが19曲、トップ40入りが39曲と輝かしい実績を持っている。

 

 2014年に公開された映画『ジャージー・ボーイズ』は、彼らの栄光と挫折を描いたもので、好きにならずにはいられない魅力があり、エンドタイトルの後に思わず拍手したくなったほど。

 

 本作が発表された少し前の1972年頃、当時の所属レーベル、モータウンとは関係がよくなかったようでフォー・シーズンズは低迷。そこでヴァリは、再起をかけて新興したレーベルに売り込みをかけ、契約を結んだ。そして作られたのが本作である。

 

 75年3月に出したシングル「My eyes adored you(瞳の中の愛)」は全米1位を獲得。同年にはフォー・シーズンズも全米1位、3位とヒットシングルを連発、ソロ、グループともにみごとに復活を遂げた。

 

 ヴァリの歌が良いのは言うまでもないが、フォー・シーズンズ人脈の製作スタッフがいい仕事をしている。プロデュ―スはボブ・クリューとボブ・ゴーディオ。クリューはヒットメイカーのプロデューサー、ゴーディオはフォー・シーズンズのメンバーで作曲、キーボード担当。ヴァリとフォー・シーズンズのヒット曲のほとんどはこのコンビから生まれている。

 

 全体的にメロウで落ち着いた雰囲気のアルバムだが、後半にヒットシングルが登場するあたりから熱量が高まり、聴き進むうちにぐんぐんと魅かれていく。聴きどころは、美しいバラード「My eyes adored you(瞳の中の愛)」と、ゴージャスなディスコチューン「Swearin’ to god(神に誓って)」だ。

 

 前者はヴァリ復活のきっかけを作った曲だ。73年に作られて未発表となっていたが、ヴァリとゴーディオがモータウンから4000ドルで買い取り、レーベルの社長に5回聴かせて契約を取ったという。

 

 後者はアルバムでしか聴けない長尺バージョンだ。名手チャーリー・カレロ(ローラ・ニーロ山下達郎の作品のアレンジも手がけた)のメロウとグルーブが一体となった、キラキラしたアレンジが素晴らしい。

 

 フォー・シーズンズのベスト盤には、ヴァリのヒット曲も収録されていることが多いので、ついでにフォー・シーズンズも聴いてほしい。ヴァリが気に入ったのなら、たぶん気に入ると思う。そしたら『ジャージー・ボーイズ』も観たくなる。完璧なコースだ。

 

♪好きな曲

 

Swearin’ to god

シングル2弾、全米6位。シングルは4分ほどだが、アルバムバージョンは10分。

Swearin' to God

Swearin' to God

 My eyes adored you

映画『ジャージー・ボーイズ』で娘とヴァリとの幸せなシーンと悲しいシーンで流れていた。

My Eyes Adored You

My Eyes Adored You

 I can’t live a dream

70年代らしいメロウ成分たっぷりのソウルナンバー。

I Can't Live a Dream

I Can't Live a Dream

 

Vol.37 Brain Salad Surgery EMERSON , LAKE & PALMER 1973

70年代 イギリス

ライブ映えする楽曲がずらり、

絶頂期を迎えたバンドの人気作。

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恐怖の頭脳改革/エマーソン、レイク&パーマー

 代表曲にしてライブ映えする「悪の教典#9」を収録、じっくり時間をかけただけあって楽曲も演奏も充実。ケレンみだらけのパフォーマンスが走る。全英2位、全米11位、日本でもオリコンチャートに入った。

 

 クラシックを大げさにアレンジした『展覧会の絵』や、ドラマティックな『タルカス』はそれほど好みではないが、このアルバムと1stは好きでよく聴いた。ELP(エマーソン、レイク&パーマー)の最高傑作だからというわけではなく、ロックンロール成分が高いおかげで一気に聴けてしまうからだ。

 

 『タルカス』も完成度が高いが、重厚感に聴き疲れしてしまう。それに比べて、『恐怖の頭脳改革』には、ノリとスピードがあるので、耳にも脳にももたれないのだ。

 

 おどろおどろしい邦題と、ジャケットに使われたメデューサをモチーフにした気味の悪いH・R・ギーガー(後に映画エイリアンのデザインを手がける)の絵から連想するイメージとは反対に、全体的に軽快で聴きやすい。

 

 『恐怖の頭脳改革』は、ELPにとって5作目のアルバムで、自らのレーベル<マンティコア>の最初の作品でもある。’70年のデビュー以来、ハイペースで4作のアルバムを発表してきたわけだが、4作目の『トリロジー』の曲は、多重録音を多用したため、ライブには不向きだった。そこで新作ではライブでも、演奏可能かつ映えるような曲作りをめざした。

 

 1年近くじっくりと時間をかけただけあって、楽曲も演奏も充実。前半に並んだのがタイプの違う4曲、後半は29分の組曲悪の教典#9」である。

 

 キース・エマーソンの押しの強いキーボード・プレイは攻撃的で、けたたましく、アクロバティックだし、カール・パーマーのパーカッションのようなドラミングはせわしない。本作ではこれまで以上にモーグシンセサイザーがふんだんに使われ、ハードで鋭いサウンドとなっている。

 

 コンピュータに代表される高度なテクノロジー社会と人間性との闘争をテーマとした組曲悪の教典#9」が聴きどころだが、組曲というわりにはパートの流れは強引である。

 

 前半のハードロックっぽいパートでも、中間のソロプレイがめまぐるしいパートでも、後半の勇ましいファンファーレパートでも、エマーソンやパーマーのテンションの高いプレイが披露される。スピーディーで勢いがあってカッコいい。やり過ぎな感もあってちょっと笑ってしまうけど。

 

 なぜそうしたサウンドが生まれたのか。それはキーボードトリオという小さなユニットが、ハードなギター擁するロックと張り合うためだ。エマーソンにしてみれば、そうでもしないとインパクトを残せないという思いがあったのだろう。

 

 その結果、唯一無二のスタイルが生まれたのである。その意味で、ロックのイノベーターという面からでもELPはもっと評価されていいと思う。ところで80年代のアニメ映画『幻魔大戦』の音楽はエマーソンが手がけたわけだが、アク抜きした『恐怖の頭脳改革』みたいでわりと好きなんだ。

 

♪好きな曲

 

Jerusalem

冒頭を飾る荘厳な曲。英国の讃美歌で2012ロンドン五輪開会式でも演奏された。

Jerusalem

Jerusalem

  

Still…you turn me on

ELPの叙情を担うグレック・レイク作。唯一ほっとする曲。

Still...You Turn Me On

Still...You Turn Me On

 Karn Evil9

めまぐるしい展開、矢継ぎ早に繰り出される技、終盤近くに「宇宙戦艦ヤマト」の主題歌のようなフレーズが流れる。

 

Vol.36 Before The Flood Bob Dylan & THE BAND 1974

70年代 アメリカ

攻撃的でパワフル。

ディラン、ロックンローラーと化す。

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偉大なる復活/ボブ・ディラン&ザ・バンド

 ザ・バンドのグルーブの効いた演奏に乗ってディランが吠える。8年ぶりの共演、大物同士の全米ツアーの模様を収めたライブアルバムにして、アメリカンロックの名盤。全米3位、全英8位。

 

 このアルバムは、ディランを理解するための最初の1枚ではないかもしれない。しかし、カッコいいディランを体験するにはうってつけだ。選曲も人気曲がおおむね揃っており、ベスト盤に近い。さらに演奏が素晴らしい。

 

 ディランのバックを務めたのがザ・バンドなのだ。すでに人気、実力の面で申し分ない風格を身につけていた。’60年代のディランのバックバンド時代とは違う、全盛期のパフォーマンスを聴くことができる。

 

 1974年1月、ディランはザ・バンドとともに全米ツアーを開始。その直後には、ザ・バンドを招いて前年11月に録音したアルバム『プラネット・ウェイブ』(これも傑作で全米1位)を発表、その時点で両者共演のツアーは決まっていたという。勢いのついたところでのツアーとなった。

 

 後にディランは「私はボブ・ディランを、ザ・バンドはザ・バンドを演じていただけだ」、「そのツアーで我々が受けた一番の賞賛は<信じがたいエネルギーだ>だった。その言葉を聞くと吐き気をもよおすね。」と述べている。本人は気に入らなかったようだが、ツアーは内容でも商業面でも大成功を収めた。

 

 ここでのディランのパフォーマンスは、怒れるロックンローラーという雰囲気で、60年代のフォークの旗手イメージとは対照的だ。「Blow the wind(風に吹かれて)」など、フォーク時代の曲もロックにアレンジされている。

 

 歌い方も、声を張り上げ、怒鳴り散らかすようなスタイルで、風貌も無精ひげにサングラスと不敵な面構えをしている。

 

 アルバムはディラン&ザ・バンド、ディランの弾き語り、ザ・バンド単独と3部で構成されているが、やはり聴きどころはディランとザ・バンドの共演パートだ。アルバム冒頭と終盤に収められているが、編集してまとめて聴くとよい。ハイテンションなロックンロールが味わえる。

 

 白眉といるのが「Like a rolling stone」。オリジナルバージョンよりもハードで迫力がある。ザ・バンドがディランを煽るように演奏する。それに乗って、ディランも吐き捨てるように、「どんな気分だ、転がる石のように生きるのは!この野郎!」という感じで歌う。最高だ。

 

 このアルバムにはザ・バンド単独のライブも8曲収録されているが、それらもみな素晴らしい。「The Weight」、「I shall be released」、「Stage Fright」といった代表曲も披露されている。特にディラン作曲の「I shall be released」はリチャード・マニュエルの物悲しい歌声が沁みる。

 

 とかくディランは歌詞の方が注目されがちだし、時代によってサウンドもフォーク、カントリー、フォークロックなどバラバラだ。しかし、このアルバムは、弾き語りはあるにせよ、ロック一色だ。ディランに興味を持ったら、そしてロックが好きなら、ここから聴き始めるとよいのではないか。

 

♪好きな曲

 

Like a rolling stone

『追憶のハイウエイ61』収録。原曲をしのぐ全員攻撃的な演奏がカッコいい。

Like a Rolling Stone (Live)

Like a Rolling Stone (Live)

  

Rainy day woman

『ブロンド・オン・ブロンド』収録。ブギーなアレンジで原曲からがらりと変身。

Rainy Day Women #12 & 35 (Live)

Rainy Day Women #12 & 35 (Live)

 

Lay lady lay

ナッシュビルスカイライン』収録。これも力強いロックナンバーにアレンジされた。

Lay, Lady, Lay (Live)

Lay, Lady, Lay (Live)

 

 

Vol.35 ABBEY ROAD  THE BEATLES 1969

60年代 イギリス

再び生まれた4人のマジック、

有終の美にふさわしい輝きを放つ。

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アビー・ロード/ザ・ビートルズ

 最高作に挙げられることが多い、ビートルズの(実質的な)ラストアルバム。解散風の吹き荒れる中でも、4人の才能がフルに発揮され、完成度の高い作品となった。全英、全米ともに1位。

 

 最高作と言われるわりには『アビー・ロード』はそれに見合った評価がされていない(気がする)。不朽の名盤として半ば神格化されている『サージェント・ペパーズ~』、革新性が高評価の『リボルバー』と比べると、地味な扱いを受けているふしがある。

 

 それでも『アビー・ロード』は有終の美を飾るにふさわしい、ビートルズの到達点といっていい。確かに際立つような革新性は(表立っては)感じられないが、楽曲、編曲、演奏には4人がこれまで得てきたものが成熟されたかたちで表現されている。

 

 クラシック、ポピュラー問わず様々な音楽のハイブリッドを究めながらも、大衆的なスタイルで表現してきた彼らが最後に創り出したのは、普遍性の高いロックだ。

 

 ’69年といえば、色々なスタイルのロックが育っていた時期だが、そんな中でもビートルズは、わが道を行くと言わんばかりにプレーンなスタイルで臨んだのである。

 

 それゆえに革新性がないということで、素晴らしい内容なのにそれほど高く評価されていない。しかし、その普遍性が21世紀の今でも鮮度を保たせている。オールディーズなのに古臭さを感じさせない。

 

 『アビー・ロード』の制作は、とん挫したゲット・バック・セッション(後にラストアルバム『レット・イット・ビー』としてまとめられる)の3か月後、’69年の5月頃にポールがジョージ・マーティンにプロデュースを依頼したところから始まる。

 

 この時期のビートルズはというと、解散の雰囲気が漂い、ビジネスをめぐるメンバー間の対立などごたごた続きであった。そういう状況の中で制作が進められていくわけだが、録音は精力的に行われたという。

 

 楽曲の半分くらいは『アビー・ロード』の制作前に作られているが、これが最後かもという気持ちがそうさせたのか、険悪だったゲット・バック・セッションとは対照的な雰囲気だったようだ。それがうまくいって、完成度は高い作品に仕上がった。

 

 聴きどころは最後を締めくくるメドレー。見事というしかない。いまひとつな曲もあるが構成が巧みで、粗が気にならないどころか感動すらしてしまう。ポールの卓越したアイデアと編集能力の賜物だ。

 

 ポール、ジョージ、ジョンのギターソロの掛け合いも、リンゴのドラムソロも美しいコーラスだってある。アルバムの最後にぴったりのジ・エンドだ。

 

 その他にも「Something」「Here comes the sun」というジョージの素晴らしい2曲、後に「あれはポールのアルバムだ」と批判めいたことを残したジョン作のブルーズ「Come together」「I want you」、いい箸休めのようなリンゴの曲もあってバラエティに富んでいる。

 

 なんだかんだ言っても、4人はビートルズへの愛とプライドをしっかりと証明してくれた。余力も未練もまだあるうちに、これで終わりにしたという選択はファンから見れば残念だが、彼らとしては精一杯の別れのあいさつだったのだろう。

 

♪好きな曲

 

Here comes the sun

ポジティブな歌詞とさわやかな曲調が心地よい。カバーも多い、ジョージの大傑作。 

Here Comes the Sun

Here Comes the Sun

 

Come together

冒頭の`シュッ’がshoot me(俺に打て)というのは有名な話。リフがカッコいい。

Come Together

Come Together

 

You never give your money

ポールらしい美しいメロディ。小組曲のような構成は彼の十八番になる。

You Never Give Me Your Money

You Never Give Me Your Money

 

Vol.34 CARAVANSERAI SANTANA 1971

70年代 アメリカ

熱気とクールネス、圧倒するほど

ダイナミックなアンサンブル。

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キャラバンサライサンタナ

 フュージョン時代の最高作だ。リズムの洪水の中を縦横無尽に駆け巡るギター、ドラマティックな展開に圧倒される。インストゥルメンタル中心ながら、全米8位。

 

 一般的には、フュージョン期の最高作と言われる『キャラバンサライ』だが、個人的にはサンタナ全作の中でも、1、2を争うアルバムだと思っている。(といっても90年代以降のアルバムはあまりちゃんと聴いていませんが)。

 

 ‘69年のアルバムデビュー以来、早くも2nd、3rdという名盤を生み出したサンタナだが、この時期は、さらに表現への欲求も高まり、創造性も上昇していたのだろう。4thアルバムとなる本作では、スケールアップしたサウンドを聴くことができる。

 

 録音メンバーには、後にジャーニーを結成する、ニール・ショーングレッグ・ローリーといった、いわゆる黄金期の面々が参加、カルロス・サンタナ自身が大きな影響を受けたマイルズ・ディビズ、ジョン・コルトレーンからのインスピレーションが色濃く反映されたことで、魅力ある楽曲と演奏が生まれたことが大きい。なるべくしてなった最高作と言っていい。

 

 本作はインスト曲中心で、組曲のような構成になっている。明確なコンセプトがあるわけではないが、サウンドは全編同じトーンで貫かれている。

 

 フュージョンっぽいとは言われるが、ダイレクトに表現されているわけではなく、ブルーズとアフロ・キューバンのハイブリッドというサンタナサウンドの基本形に融合されているといった方が正確だ。

 

 そのため、それまでのこってりとしたラテンロック色は少し抑えられ、代わりにジャズやファンクのもたらすクールネスが際立っている。

 

 インスト曲中心のため、サンタナサウンドの骨格である、ドラム、パーカッションのダイナミックなリズムはくっきりと表現され、その音空間の中をギターやキーボードが縦横無尽に駆け巡る様がよく伝わってくる。

 

 幕開けこそ静かだが、徐々に熱気が立ち昇り、3曲目の「Look up」あたりからカルロス・サンタナのギターが加速、そのまま最初のクライマックス「All the love of the universe」へと突き進む。後半のたたみ込むようなギター、オルガンのソロが痛快だ。

 

 ボサノバの法王、アントニオ・カルロス・ジョビンの「Stone flower」でいったん落ち着くが、ジャム風ナンバーも挟んで、最終曲「Every step of the way」へとなだれ込む。ドラマティックなオーケストレーションに彩られた大団円にふさわしい曲で、その迫力に圧倒される。なるべく大きな音で聴くといい。快感が倍増する。

 

 ところで、このアルバムはマイルズ・ディビズの『スケッチ・オブ・スペイン』への返答といった解釈を何かで読んだ。言われてみれば、ラテンの官能と叙情性、劇的なカタルシスが耳に残るところが共通しているように思える。

 

 特に「Every step of the way」と『スケッチ・オブ・スペイン』の最終曲「Solea」の感触はよく似ている。マイルズを敬愛していたカルロスのことだ。たぶん意識したのではないだろうか。

 

♪好きな曲

 

Look up(to see what’s coming down)

アフロ・キューバンのリズムと、推進力のあるカルロスのギターがカッコいいファンク。

 

 

Look Up (To See What's Coming Down)

Look Up (To See What's Coming Down)

 

Just in time to see the sun

数少ない歌モノの1曲。歌はカルロス。アルバムの中では最もロックっぽい。

 

Just In Time to See the Sun

Just In Time to See the Sun

 

 

Song of the wind

軽やかなジャズボッサのリズムに乗って、カルロスのギターがよく歌っている。

 

 

Song of the Wind

Song of the Wind